PRELUDIO A LA SIESTA DE UN FAUNO

PRELUDIO A LA SIESTA DE UN FAUNO

En pleno Romanticismo, durante la segunda mitad del Siglo XIX, comprendido dentro del periodo denominado Romanticismo Tardío, surge un movimiento artístico en Francia, principalmente en la pintura y en la música, llamado “Impresionismo”.

Recibe el nombre de “Impresionismo” a partir de un famoso cuadro de Claude Monet llamado ‘Impresiones de un Sol Naciente’. Es un arte que no pretende plasmar la realidad, sino las impresiones que esa realidad genera en las personas que la experimentan.

Impresión de la salida del Sol de Claude Monet

La innovación y el progreso de finales del siglo XIX tuvieron repercusiones importantes tanto en la política, como en la sociedad y en el arte. El arte impresionista representa la libertad para experimentar. Francia es la cuna del movimiento.

El Impresionismo es la manera artística o literaria de considerar y reproducir la naturaleza, atendiendo más que a su realidad objetiva, a la impresión subjetiva o personal[i].

Rechazado en un principio, el Impresionismo en la pintura, se consolida de 1874 a 1886 con pintores como Monet, Cezanne, Degas y Renoir, o con escultores como Augusto Rodin, quienes liberan su arte del academismo, saliendo de los talleres cerrados para acercarse a la naturaleza. Se trata de plasmar la luz en los cuadros, dejando a un lado la identidad de aquello que la proyecta.

Mujer joven y niña sentadas en la cama

danza macabra

Dentro de la música, ya Camile Saint Saens[ii] (1835-1921) había empezado a innovar con el concepto de “las impresiones” en la música. Su Danza Macabra (Danza de la Muerte), compuesta en 1872, está basada en viejas supersticiones francesas acerca de la universalidad de la muerte.

Wagner y Liszt también se consideran precursores del Impresionismo. Después de una estancia prolongada en Suiza, Liszt compuso en 1835 su “Album d’un Voyageur” (Álbum de un Viajero), que años más tarde aparecería como el primer libro de “Années de Pèlerinage en Suisse” (Años de Peregrinaje en Suiza). Las piezas que componen este libro tienen un íntimo vínculo con la naturaleza y, en particular, con el agua – elemento relacionado con este movimiento artístico.

Wagner también contribuye a la música impresionista. Sobre su ópera Tristan e Isolda, Guissepe Verdi decía:

“Le debo innumerables horas de maravillosa exaltación. El acto II de Tristán e Isolda está plagado de invenciones musicales, siendo una de las creaciones más sublimes del espíritu humano”. “Tristán e Isolda es el drama musical más perfecto y bien logrado de Wagner, donde se entra de lleno en el reino de la ‘melodía infinita”.[iii]

TRISTÁN E ISOLDA

Las características fundamentales de la música impresionista son:

  • Un tempo más libre dentro de los parámetros del autor.
  • El uso de modelos clásicos, con incontables variaciones inventadas a lo largo de la obra.
  • El uso del timbre como el factor más importante, consiguiendo efectos nunca antes logrados.

Claude Debussy, compositor francés nacido en 1862, es el autor impresionista por excelencia. Su música es original y poderosa; “nebulosa” por su alusión a los sonidos de la naturaleza. Nos transporta a la mitología de la Antigua Grecia o a los sueños, pero siempre conservando la esencia del Paris bohemio de finales de siglo.

Niñas estudiando el piano

El Impresionismo musical se caracteriza por una escritura no lineal en el tiempo, sino como una serie de impresiones donde lo que importa no es la estructura, ni los puntos climáticos o la resolución de largas frases, sino el colorido o la sonoridad de cada acorde, incluyendo las disonancias que puedan suscitarse entre ellos.

 

 

 

 

ASTROLOGÍA

En vista de que la pintura “Impresión de un Sol Naciente” de Claude Monet, dio su nombre al movimiento impresionista, me parece importante analizar la carta astral de su primera exposición al público.

Impresión de un sol naciente

El 15 de Abril de 1874 a las 19:00 hrs. se expone el cuadro en Paris por primera vez. Es interesante notar que los impresionistas no exhibían sus obras en El Salón de Paris, galería renombrada y acondicionada por la Escuela de Bellas Artes de Paris, sino en un recinto improvisado, denominado El Salón de los Rechazados, a raiz del escándalo que provocaba la exposición de sus obras.

En la carta encontramos:

Una alineación importante de planetas en las casas 6 y 7, en Aries y Tauro, donde participan la Luna, Quirón, Sol, y Neptuno en Aries; Nodo Norte, Venus, Marte y Plutón en Tauro. El regente de Aries es Marte, cuyo dispositor es Venus dignificado en Tauro, representando el arte por encima de todo lo demás.

Acerca de Neptuno, a 28º Aries 08’ a sólo 3 grados de distancia del Sol a 25ºAries 36’, podemos decir que le quita brillo y claridad, e impregna el arte de “niebla”, de acuerdo a su naturaleza. El efecto “acuático” de la pintura impresionista, que como ya dijimos, relaciona este movimiento con el elemento agua.

El crítico Louis Leroy escribió despectivamente sobre la pintura de Monet:

“La humedad invade la obra y atenúa las tonalidades”.

El Sol a 25º Aries 36’ es pionero. Quirón (18º Aries 43’) y la Luna (14º Aries 22’) en el mismo signo y en la misma casa 6, representan el rechazo inicial del público. Venus (08º Tauro 28’) en conjunción al Nodo Norte (06º Tauro 27º Rx) representa lo nuevo en el arte y el pasado conocido que se difumina en su camino hacia el futuro. Marte (18º Tauro 11’) en conjunción a Plutón (20º Tauro 38’) en casa 7, le agrega motivación, energía y pasión al movimiento.

Júpiter a 23º Virgo 27’ Rx en casa 11, en trígono al stellium en Tauro en casa 7, le da expansión. Saturno en casa 4, a 13º Acuario 06’, en cuadratura al stellium en Tauro, produce obstáculos e impedimentos, con vistas al futuro; en sextil al stellium en Aries, le da disciplina, estructura y perseverancia. Júpiter en quincuncio al Sol no sabe hacer dinero. Saturno en sextil a la Luna en Aries le da obstinación y apego a las ideas. Urano en 06º Leo 26’, en conjunción al MC, le da mayor libertad y autonomía al movimiento.

Debussy decía:

 

“No existe una teoría; sólo tienes que escuchar. El placer es la ley. Me gusta la música con pasión, y porque me gusta, trato de liberarla de las tradiciones estériles que la ahogan. Es un arte al aire libre, sin límites, que brotaCLARO DE LUNA DE DEBUSSY como los elementos – el viento, el cielo y el mar – En ningún caso debe ser cerrado y convertido en un arte académico”.

“Recoged las impresiones. No os apresuréis en anotarlas. Porque la música tiene algo en lo que es superior a la pintura, al poder centralizar las variaciones del color y de la luz en un mismo aspecto.”

 

En muchas ocasiones se ha considerado a Debussy como “simbolista” en lugar de “impresionista”, porque sus composiciones musicales aluden a sensaciones y percepciones, que deja a la imaginación del oyente[iv].

“Llamamos símbolo a un término, un nombre o una imagen que puede ser conocida en la vida diaria aunque posea connotaciones específicas además de su significado corriente y obvio. No hay forma de vaciar un símbolo; tampoco de llenarlo”.                                                                                                      Carl G. Jung

En la Literatura Impresionista, destacan Paul Verlaine, Charles Baudelaire y Stéphane Mallarmé. Precisamente son los versos de Mallarmé, los que inspiran a Debussy en 1894, a componer el poema sinfónico ‘Preludio a la Siesta de un Fauno’, considerada la obra más representativa del Impresionismo Musical Francés.

PRELUDIO A LA SIESTA DE UN FAUNO

Las formas musicales propias del Impresionismo son:

  • la sinfonía
  • el poema sinfónico
  • la obertura
  • el rondó
  • la romanza
  • las variaciones sinfónicas
  • la suite
  • la sonata
  • los preludios

Dichas formas musicales ya eran utilizadas durante el Romanticismo, pero existen notables diferencias. Durante el Impresionismo, esas mismas formas, transmiten indefinición y subjetividad, dejando en libertad a los oyentes para captar nuevas sensaciones.

EL KREMLIN EN INVIERNO

La música rusa se une al movimiento impresionista a partir de la década del 1880, cuando Debussy, radicado en Rusia, tiene la oportunidad de escuchar obras de Borodin, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov[v]. Influenciados por la armonía utilizada por estos compositores, autores atrevidos y vanguardistas como Alexander Scriabin[vi], colocan la música rusa en una posición comparable al Impresionismo Parisino.

Algunos de los principales exponentes del Impresionismo son:

  • Claude Debussy, Maurice Ravel y Paul Dukas en Francia.
  • Manuel de Falla, Isaac Albeniz, Joaquín Turina y Enrico Granados en España.
  • Ottorino Respighi en Italia.

‘El Impresionismo (con Debussy a la cabeza), sugiere un futuro revolucionario basado en un pasado ancestral. Es una corriente artística/estética, refinada y sensual, que admite la yuxtaposición de técnicas clásicas y modernas, de armonía funcional y no funcional y de ámbitos tonales, modales y atonales[vii]’.

ACHILLE CLAUDE DEBUSSY

CLAUDE DEBUSSY DIFUMINADOCLAUDE DEBUSSY

 

¡¡DOBLE LEO!! por Sol y Ascendente: protagonista, orgulloso, líder, autoritario y dramático. Nació el 22 de Agosto de 1862 a las 4:21 am en Paris, Francia.

Claude Debussy fue un rebelde desde el principio de su formación musical. En el Conservatorio de Paris, donde estudió de los 10 a los 22 años, se rebeló ante las formas establecidas. Cuestionaba lo permitido y no permitido en la composición musical. Durante un recital donde se interpretaba música de Beethoven, se volteó con un colega y le dijo: “¡Vamos, empecemos a innovar!”[viii].

Nació en el seno de una familia modesta con intereses artísticos. Con frecuencia asistía con sus padres al Teatro Lírico, donde se presentaban las óperas del momento. Su tía y madrina, Clementina Debussy, le impartió sus primeras lecciones de piano. Un modesto violinista italiano llamado Jean Cerutti, le enseñó los rudimentos del piano.

Madame Maute de Fleurville, alumna de Chopin, lo preparó para ingresar al Conservatorio de Paris, donde aprobó con sobresaliente el 22 de octubre de 1872. Desde un principio destacó en sus clases de solfeo, no así en armonía, donde resultó ser un estudiante promedio. En 1882 asistió a la cátedra de composición del maestro Ernest Guiraud, y en 1883 y 1884 empezó a sobresalir en sus composiciones.

Como premio en un concurso de piano, el 17 de junio de 1884 obtuvo el derecho a una pensión y estancia de tres años en la Villa Mèdicis de Roma. Su estadía en Roma no fue beneficiosa para su salud, por lo que no tuvo grandes logros creativos; sin embargo, descubrió muchas obras literarias y artísticas que resultaron definitivas en su composiciones posteriores, sobre todo la ópera Tristán e Isolda de Wagner.

Anteriormente, había dado clases de música a los hijos de una aristócrata en Rusia, donde tuvo la oportunidad de conocer a fondo la obra de Tchaikowski, Rimski-Korsakov y Borodin; asistió a una representación de la ópera Lohengrin de Wagner. La impresión que le causó, lo motivó a acudir al Festival de Bayreuth[ix] en 1888.

A partir de entonces, sus obras presentaron influencias literarias. A lo largo de su vida, musicalizó las obras de muchos poetas. La primera representación de su obra La Damoiselle Élue (La Doncella Bendita) el 8 de abril de 1893, atrajo a la crítica por lo sensual y erótico de su música. Se afianzaron sus innovaciones armónicas y tímbricas, precursoras de sus obras maestras posteriores.

Debussy utilizó, entre otras herramientas, escalas no usuales para la música occidental. Sus composiciones están fuertemente influenciadas por la música rusa/oriental. Cambió el eje de la música culta de su época, dando prioridad a los matices expresivos sobre las relaciones entre acordes. Debussy se basa en ritmos y texturas, usa los acordes por su sonido o color y no por su función en la temática global de la obra.

Las características del lenguaje musical de Debussy han sido utilizadas en la improvisación del jazz que ocurrió en la segunda mitad del Siglo XX. La música del cine también refleja su influencia. Su música, aunque no precisamente folklórica ni nacionalista, se convirtió en representativa de la música francesa – la flexibilidad rítmica, las frases melódicas asimétricas y los acentos puestos en el color orquestal.

Debussy era noctámbulo, de escasos recursos económicos, asiduo de los cafés de Paris. Presentaba problemas psicológicos de infancia que lo acabaron distanciando por completo de sus padres. Era un rompecorazones, poco inclinado a mantener una relación estable con una sola mujer. Durante su vida atravesó por periodos de depresión contrastados con otros de éxito y fama. De 1892 a 1894, trabajó incansablemente y produjo muchas obras orquestales importantes.

En el año de 1894 estrenó su obra “Preludio a la Siesta de un Fauno”, inspirada en un poema de Mallarmé e ilustrada por el pintor Édouard Manet. Años después, coreografiada por el famoso bailarín ruso Vaslav Nijinski, se reestrenó en una versión para ballet. Por primera vez, Debussy se apartó por completo de las líneas establecidas y la subordinación tonal, manejando los recursos a su antojo, preocupado únicamente por expresar la impresión que había dejado en él, el poema de Mallarmé.

Unos años más tarde, en 1902, su ópera Pélleas y Mélisande se estrenó causando furor, ante el rechazo categórico de compositores académicos y un público dividido. El tema de la ópera es al estilo de los cuentos de hadas, misterioso, de países imaginarios, bosques encantados y amores incomprendidos. Su música ha sido calificada de revolucionaria y radical. Una de sus últimas obras, el tríptico sinfónico La Mer, constituye la partitura orquestal más importante y representativa de su estilo impresionista.

En 1909, a los 47 años de edad, le diagnosticaron un cáncer que acabó con su vida nueve años después. Murió el 25 de marzo de 1918, sólo cuatro días después del comienzo de una poderosa ofensiva alemana a sólo 150 Kms. de París.

Para Pierre Boulez (1925-2016), compositor y director de orquesta francés, el verdadero precursor de la música contemporánea es Claude Debussy, ya que fue él quien descubrió un nuevo lenguaje musical (originado en Wagner), libre, oscilante y abierto a otras posibilidades más allá de cualquier modelo preestablecido.

ASTROLOGÍA:

 CLAUDE DEBUSSY CARTA NATAL

En su condición de doble Leo, Debussy fue egótico y protagonista toda la vida. La posición del Sol en 28º de Leo en casa 1, en conjunción a la estrella real Regulus, lo elevó a grandes alturas, dejándolo caer con frecuencia; pero siempre encontró la forma de volver a ascender.

Mercurio en 01º Virgo 33’, en casa 1, dignificado en esencia y posición, pero combusto por su conjunción al Sol, hace que su pensamiento racional no sea suficiente para remontar su orgullo.

Saturno (22º Virgo 29’) en casa 2, da estructura y realismo a la conjunción Parte de Fortuna (28º Virgo 18’)/ Júpiter (29º Virgo 22’). Esa misma configuración lo exalta o lo hace depresivo, difícil y argumentativo. Desastroso con el dinero.

El Nodo Norte (21º Sagitario 45’ Rx) en casa 5, es un indicador muy claro: su misión es innovar en su creación – estirar la liga de lo convencional hasta romperla – Le atrae lo desconocido y la experimentación.

Quirón (04º Piscis 33’ Rx) en casa 7 lo hace victimario de sus mujeres. Tuvo tres parejas. Vivió 9 años en unión libre con Gabrielle Dupont, a quien dejó para casarse con su mejor amiga, la modelo Rosalie Texier. Pocos años después, le aburrió su belleza, su superficialidad y su falta de sensibilidad. Se casó con Emma Bardac, con quien tuvo una única hija, Claude-Emma. Se quedó con ella el resto de su vida.

Sus dos primeras parejas trataron de suicidarse por su abandono. El intento de suicidio de Rosalie, provocó un escandalo de tales proporciones, que se vio obligado a huir a Inglaterra con su nueva pareja.

Neptuno (03º Aries 20’ Rx), en la cúspide de casa 9, lucha por trascender. Marte (18º Aries 20’) en la misma casa, en trígono al Nodo Norte le da energía para lograrlo.

Plutón (11º Tauro 22’ Rx) en conjunción al MC (07º Tauro 49’) es decisivo en su música: alejarse de la zona de confort, dar muerte a lo tradicional, lo cómodo, lo estéticamente bello y melodioso, para dar luz a lo novedoso y atrevido. La naturaleza inspira su arte, alejándolo del academismo y las estructuras.

Urano (20º Géminis 10’) a la entrada de casa 11, en conjunción al Nodo Sur (21º Géminis 45’ Rx): rompe con el pasado. Se separa de sus padres y enfrenta innumerables críticas, rechazos e incomprensión hacia su música. Es un nacionalista insoportable – cualquier país, comparado con Francia, desmerece ante sus ojos.

La Luna a 20º Cáncer 58’ en la cúspide de casa 12 da un toque de ternura, emocionalidad y melancolía a su música. Eso se escucha claramente en su famoso Claro de Luna.

Venus en 0º Leo 57’ en casa 12 representa la clase de mujeres que le gustan – caprichosas, protagonistas y dramáticas. Enamoradas del ego de Debussy, pero eclipsadas por su aplastante personalidad.

En configuraciones mayores, sólo tenemos una T-cuadratura mutable entre Urano y Nodo Sur; Saturno, Parte de Fortuna y Júpiter; Nodo Norte. No es común tomar en cuenta a los nodos para este tipo de configuraciones, pero en este caso lo consideré pertinente. Esa configuración une las energías de los símbolos participantes (de los que ya hablamos) para lograr sus objetivos. Es como un “sagrado descontento” que lo mantuvo siempre alerta a lo nuevo y desconocido.

Otros datos interesantes:

Partes Árabes:

Encontramos pruebas contundentes de su naturaleza rebelde y conflictiva:

Parte de la Discordia a 1º Acuario 32’ en oposición a Venus (el arte y las mujeres).

Parte del Peligro a 1º Piscis 21’ en oposición a Mercurio (sus ideas y manera de vivir la vida cotidiana).

Parte de los Enemigos Privados a 21º Leo 18’ en conjunción al ASC (sus detractores).

Firdaria:

claude debussy firdaria

Su muerte se da en el periodo Venus/Mercurio, del 13 de octubre de 1916 al 5 de diciembre de 1918 (abarcando la Parte de la Discordia y la Parte del Peligro).

 

Estrellas Fijas:

Urano en conjunción a PHACT – la búsqueda de aventura – con aspectos a Neptuno, Plutón, Quirón, Nodos, Ascendente y MC.

Mercurio en paralelo a RAS ALHAGUE – el deseo de sanar una herida – con aspectos a Venus, Marte, Júpiter, Saturno y Urano.

Astrología Esotérica:

 

claude debussy

 La Astrología Esotérica nos conecta con la parte más elevada y profunda del ser humano – la relación mente/cuerpo/espíritu – Se divide en 7 rayos, cada rayo representa una cualidad diferente:

  1. Voluntad y poder
  2. Amor
  3. Inteligencia activa
  4. Encontrar armonía en el conflicto
  5. Ciencia y tecnología (entendido como el conjunto de instrumentos, recursos técnicos o procedimientos empleados en un determinado campo o sector)[x]
  6. Idealismo y devoción
  7. Magia y orden ceremonial

Para encontrar los rayos más poderosos en una carta astral y poder establecer un balance entre ellos, dividimos los planetas en Sagrados y No-Sagrados, analizándolos por separado.

  • Los Sagrados ensalzan las virtudes necesarias para la realización del alma.
  • Los No-Sagrados reprimen esas virtudes, frenando el desarrollo espiritual.

Los planetas se relacionan con los rayos y así tenemos que, del 1 al 7:

Los Sagrados son:

  • Vulcano (rayo 1), Júpiter (rayo 2), Saturno (rayo 3), Mercurio (rayo 4), Venus (rayo 5), Neptuno (rayo 6) y Urano (rayo 7).

Los No-Sagrados son:

  • Plutón (rayo 1), Sol (rayo 2), Tierra (rayo 3), Luna (rayo 4), por descubrir (rayo 5), Marte/Lillith (rayo 6), por descubrir (rayo 7).

El horóscopo de Debussy nos indica que en los planetas sagrados domina el rayo 2 (el amor) y el rayo 5 (ciencia). Esos fueron en su vida, impulsos sutiles dirigidos por el alma (la motivación).

En los no-sagrados predomina el rayo 1 (voluntad), el rayo 5 (ciencia), y el rayo 7 (orden y magia). Esos fueron en su vida, impulsos físicos dirigidos por el cuerpo (el oficio).

En este análisis esotérico vemos claramente el espíritu que lo impulsó a hacer lo que hizo.

EL EXPRESIONISMO

A principios del siglo XX, entre 1905 y 1925, surge en Alemania un movimiento cultural llamado Expresionismo. Comienza siendo sólo una manifestación pictórica, pero rápidamente se expande influenciando las artes plásticas, la música, la literatura; y en consecuencia, el teatro, el cine, la danza y la fotografía.

En la pintura, junto con el Fauvismo[xi]francés, se convierte en un movimiento importante, porque agrupa, en una misma búsqueda, a artistas de tendencias, intelecto y formaciones muy diversas. En contraste al Impresionismo y su amor por la naturaleza, el Expresionismo es instintivo, pues revela una realidad metafísica que, más allá de los sentidos, refleja la visión subjetiva y primitiva del artista.

Alemania vive el momento prebélico y posbélico a la Primera Guerra Mundial (1914-1918). El Expresionismo constituye la expresión artística de la amargura de la época, de la soledad y la miseria expresadas en colores violentos e imágenes exageradamente realistas, que incluyen temas ignorados hasta entonces – lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o perverso.

El Expresionismo revela el deseo ardiente de remontar la existencia física hacia el mundo del espíritu, lejos de la destrucción y la muerte. El Expresionismo revela a un ser humano pesimista, agobiado, ajeno y alienado en una sociedad moderna, impersonal e industrializada.

EXPR. EMIL NOLDE Still life with masks

Dentro de la música, destacan conceptos como la atonalidad y el dodecafonismo. Uno de sus máximos exponentes es Arnold Schoenberg (originalmente Schönberg), músico austriaco de origen judío, quien logra asociar la música con la pintura y el pensamiento de la época. Así como Debussy es considerado el compositor más representativo del Impresionismo, Arnold Schoenberg lo es del Expresionismo.

La música clásica, hasta entonces, había tenido el propósito de agradar al oído, creando melodías afines, comprensibles y de gran belleza. La atonalidad del Expresionismo no respeta jerarquía alguna ni regla preestablecida. Las notas fluyen libremente, sin restricción ni predominio, produciendo la impresión de nerviosismo e inestabilidad. Los ritmos son anárquicos, irregulares y cambiantes. Las composiciones, sin la congruencia que les confiere la tonalidad reinante, pierden la estética y resultan angustiosas y poco comprensibles.

VINCENT VAN GOGH PINTURA

Podemos establecer una analogía con Vincent Van Gogh en la pintura, que está considerado un post-impresionista, precursor del Expresionismo. En su obra se destacan los brochazos neuróticos, gruesos y violentos; los colores puros, intensos, irreales y expresivos – caras verdes, pelo azul, el negro usado como color – las figuras resultan hiperrealistas, pues no buscan la proporción estética de las formas.

 

vincent van gogh

Vincent Van Gogh era obsesivo (Plutón y Urano en Tauro en casa 11); no tenía control sobre su mal carácter (Sol en Aries sin aspectos); abusaba del ajenjo, que era la bebida de los artistas (Stellium en Piscis); era sumamente espiritual (Neptuno en Piscis en casa 9). Su mala vista hacía que pintara las cosas como las veía, distorsionadas y en colores intensos. La Luna, el Nodo Sur y Júpiter en Sagitario en casa 6, nos indican un mal de hígado congénito; no hay oposiciones, por lo que nunca le interesó conocer la opinión de los demás; la conjunción Venus/Marte en Piscis habla de amores platónicos/irrealizables; Saturno en conjunción a Urano/Plutón, reprimió su expresión volcánica y lo llenó de frustración; la carencia de planetas en signos sociales y la falta del elemento aire, dificultó su relación con los demás. Todo esto terminó por enloquecerlo y llevarlo al suicidio.

El artista pinta lo que ve y cómo lo ve, no busca representar ideales de belleza. No pretende ser fiel al modelo, sino a lo que siente respecto a él. La “fealdad” no es mala, pues forma parte innegable de la realidad. Pintarla es necesario e inevitable. El Fauvismo y el Cubismo[xii], creados a lo largo de esta tendencia artística, son una clara demostración de la necesidad interior y fragmentada del artista. Un expresionista por excelencia es Pablo Picasso, nacido el 25 de octubre de 1881, a las 23:15 pm en Málaga, España.

pablo picasso

Pablo Picasso usó las figuras geométricas para eliminar la perspectiva y el punto de vista único. A eso se le llamó “Cubismo” (Ascendente Leo/Sol en Escorpio, IC). Incansable en su afán de innovar, influyó en todas las facetas del arte del siglo XX (Urano en Virgo en trígono al Stellium en Tauro de casa 10) – tuvo un período azul y uno rosa, creó “el Collage” introduciendo materiales ajenos a la pintura sobre el lienzo, empleó por primera vez el hierro forjado en la escultura – La mayor parte de su vida transcurrió en Paris, a orillas del Sena, donde se rodeó de personalidades del mundo artístico (Luna en Sagitario/conjunción Nodo Norte en casa 5). Tuvo cinco relaciones amorosas importantes, aunque se casó sólo dos veces (Saturno, regente de casa 7, en conjunción a Neptuno) El estallido de la guerra civil española despertó en él un nacionalismo exacerbado, que lo llevó a pintar su famosa obra Guernica, donde representa el descoyuntamiento de las figuras y su desgarrador simbolismo (conjunción Quirón/Júpiter/Plutón en Tauro). Compulsivo (Sol/Mercurio en Escorpio), longevo, prolífico y ambicioso (stellium en Tauro en casa 10), trabajó incansablemente hasta su muerte.

PINTURA PABLO PICASSO

ASTROLOGÍA Y TEXTO:

Es imposible encontrar el momento exacto del cambio que se produce en una expresión artística, más bien es como una necesidad que va creciendo poco a poco, hasta que en un determinado momento, adquiere la fuerza suficiente para emerger.

En la carta correspondiente al 1º de enero de 1905, en Berlin, encontramos indicadores afines al movimiento denominado EXPRESIONISMO (la hora es indeterminada).

EL EXPRESIONISMO

Encontramos un gran trígono de aire (elemento relacionado con este movimiento) entre Venus/Saturno en Acuario, Marte en Libra y Plutón en Géminis, formando un cometa con Júpiter en Aries.

Los planetas que participan en un gran trígono unen su energía y poder, fluyendo sin impedimentos. Venus (22º Acuario 46’) en conjunción a Saturno (18º Acuario 35’), su dispositor: pierde su visión del arte bello, estético e ideal; Marte (23º Libra 37’) dispuesto por Venus, en trígono a Plutón (20º Géminis 20’): le agrega un elemento explosivo de lucha y expresión; Júpiter (20º Aries 42’), en su urgencia de iniciar algo nuevo, libera y expande lo que ya está ahí.

Neptuno (06º Cáncer 40’) dispuesto por la Luna (16º Escorpio 41’); La Luna, en cuadratura a Venus/Saturno; y Marte dispuesto por Venus; se comprometen a incluir “todo” en su expresión, como parte de una realidad dolorosa pero inevitable.

La triple conjunción en Capriconio del Sol (10º Capricornio 23’), Mercurio (8º Capricornio 29’) y Urano (0º Capricornio 42’), toma el control de la situación y deja huella en la comunidad.

El fin de la necesidad de producir algo que sea “estéticamente bello”, conecta la ideología de la pintura con la música del Expresionismo. Las composiciones, en ambas expresiones artísticas, no esconden nada; por el contrario, muestran abiertamente la fealdad y lo indeseado como algo real, inevitable y cotidiano en la vida del ser humano y del mundo que lo rodea.

Dos exponentes importantes de este movimiento son:

IGOR STRAVINSKY

Igor Stravinsky – músico de signo solar Géminis, nacido el 17 de junio de 1882, a las 12:00 pm, en Lomonosov, Rusia[xiii], discípulo de Rimsky-Korsakov – quien fue contratado como “compositor residente” por la compañía de ballet de Paris en 1910. Sus composiciones “El Pájaro de Fuego”, seguido de “Petrushka” en 1911 y “La Consagración de la Primavera” en 1913, dieron un nuevo giro al ballet. Durante el escandaloso estreno de éste último, los asistentes se liaron a puñetazos y hubo necesidad de vigilancia policial durante el segundo acto.

 

IGOR STRAVINSKY

Llama la atención su horóscopo de paquete (patrones de Jones) en casas colectivas o universales, en contraste con el stellium de casa 9/10 en Tauro/Géminis/Cáncer formado por planetas en signos personales. Una perspectiva personal/universal en su trascendencia, profesión y destino. Después de su exilio a EUA, casi lo arrestan por la interpretación que hizo del himno nacional en Boston en el año de 1944. Con el Sol/Júpiter en Géminis en conjunción al MC, fue un famoso compositor y director de orquesta.

El famoso director de orquesta Pierre Boulez dijo de él:

“Algo radical y extraño a la música occidental tuvo que darse, para que la música sobreviviera y entrara a la era contemporánea. La gloria de Stravinsky fue el haber pertenecido a la generación superdotada y ser uno de los más creativos de ellos”[xiv].

Béla Bártok, compositor, pianista y etnomusicólogo[xv], del signo de Aries, nacido el 25 de marzo de 1881 a las 8:50 am en Sannicolau Mare, Rumania[xvi]; compone su ballet ‘El Príncipe de Madera’ entre 1914 y 1917. El tema de BELA BARTOKla obra es como un cuento de hadas con fantasía y misterio, exaltación y miseria; contrastando la música del Príncipe – bonita, sencilla y humana – con la del muñeco de madera – retorcida, neurótica e inhumana – La dualidad entre lo bello y lo feo, lo verdadero y lo falso, lo humano y lo inhumano. Bártok, que había estudiado tambor de niño, utilizó el piano como instrumento de percusión[xvii].

BELA BARTOK

Luna en Acuario en casa 9: trascendente, pero impersonal, fría y distante; sin límites, por su dispositor, Saturno en Aries, en conjunción a Júpiter en casa 12; Urano en Virgo en casa 5 – vanguardista y perfeccionista – fuera del horóscopo de paquete, según Patrones de Jones; en oposición a Mercurio en Piscis en casa 11, que representa su imagen ante el mundo como pionero de la creatividad musical.

Todo es cíclico – continuación y consecuencia de lo anterior – vanguardia de lo que será, retaguardia de lo que fue. Sin Debussy; la tríada, Bartok, Stravinsky y Schoenberg, no se entendería; sin Wagner, no habría Debussy; sin Beethoven no habría Wagner; sin Mozart no habría Beethoven; sin Bach no habría Mozart… y así podríamos seguir a lo largo de la historia de la música.

ARNOLD SCHOENBERG

SCHOENBERG

¡¡DOBLE VIRGO!! por Sol y Ascendente: perfeccionista, analítico, empeñado en encontrarle ‘estructura’ a sus composiciones ‘libres’. Arnold Schoenberg nació el 13 de septiembre de 1874, a las 5:25 am, en Viena, Austria.

Perteneció a los pintores expresionistas del grupo “Jinete Azul”, pero su contribución principal fue en la música. Schoenberg comenzó a temprana edad su carrera musical. Fue autodidacta, aunque recibió algunas clases de composición.

Sus primeras composiciones, que datan de 1900, influenciadas por Mahler y Wagner, se ajustan a los parámetros conocidos hasta entonces; pero sólo 6 años después, su música dio un giro inesperado. En julio de 1908, coincidiendo con una infidelidad (no comprobada) de su esposa, Mathilde Zemlinsky, rompió con todo tipo de barreras clásicas.

Ya antes, en 1904 había fundado, junto con dos de sus discípulos, Anton Von Webern y Alban Berg, la Sociedad de Compositores que se convertiría más adelante en la Moderna o Segunda Escuela de Viena. Su Cuarteto para cuerdas No. 2, rechazado en un principio, le abrió las puertas para dar un curso de Maestría en Composición en la Academia de Artes de Prusia en 1925.

Debido a la ascención de Hitler al poder y a su doble condición de judío y compositor “moderno”, en 1933 se vio forzado a exiliarse a los Estados Unidos de Norteamérica. Fijó su residencia en Los Angeles, donde impartió clases en la Universidad de California. En 1941 adoptó la nacionalidad estadounidense. En 1946 cayó gravemente enfermo. Ya retirado, continuó componiendo e impartiendo lecciones hasta su muerte, ocurrida el 13 de julio de 1951.

La vida de Schoenberg fue de constantes subidas y bajadas. Se casó dos veces; tuvo dos hijos con su primera esposa, Mathilde Zemlinsky; y tres hijos con su segunda esposa, Gertrud Kolish. A pesar de los contratiempos, los rechazos y las antagonías, Schoenberg nunca abandonó las composiciones de tipo atonal. Fue el descubridor del método de composición de doce sonidos, llamado Dodecafonismo. En este sistema ninguna nota domina a otra, ningún tono prevalece en la obra. Se tocan las doce notas de la escala cromática, sin establecer una jerarquía entre ellas. Ningún tono debe repetirse antes de que aparezcan todos los demás, en una especie de “socialismo musical”, donde se da a todas las notas el mismo valor, remitiéndonos a las ideas de Karl Marx de igualdad y justicia social.

Hombre de letras, Schoenberg escribió los libretos de sus oratorios y óperas, así como de muchas de sus canciones. Su sentir predominante era:

“Todo es parte de una totalidad”

Algunos de sus ensayos constituyen los fundamentos de la estética musical del siglo XX. La influencia de Schoenberg es incalculable en la música actual, ya que rompió las barreras de la composición, liberando la música hasta su máxima expresión. Su obra incluye desde la atonalidad y la música dodecafónica, hasta la música serial usada en el jazz y en la música electrónica que prevalece hasta nuestros días[xviii].

ARNOLD SCHOENBERG

Ascendente/Sol en Virgo; su dispositor, Mercurio (24º Virgo 49’) está dignificado por posición y esencia, pero debilitado por la cercanía al Sol (20º Virgo 11’). Mercurio, regente de la carta, es el dispositor final de todos los planetas, a excepción de Saturno en 08ºAcuario 20’ en casa 5.

Mercurio, usado ‘para bien o para mal’, es poderoso en su carta; representa, entre otras cosas, sus ideas – acertadas o equivocadas – Es conocido que los Virgo son, por lo general, hipocondriacos. Schoenberg sufría de ‘trisquedecafobia’ (fobia al número 13). En parte, esa fue la razón de su fijación en la música por el número 12.

El amor al arte está representado por Júpiter (07º Libra 20’) en casa 1 y la Luna (16º Libra 47’) en casa 2; su dispositor, Venus en 5º Escorpio 59’ – pasional e intenso – influyó para que su música se apartara de lo melodioso, consonante y bello, inclinándose por la atonalidad y la disonancia.

Con Saturno (08º Acuario 20’ Rx) en casa 5, su creación no es espontánea, pues aún cuando libera la música de numerosas restricciones, busca la estructura en su forma de componer – impersonal y fría – de acuerdo a ese emplazamiento.

Quirón (21º Aries 33’ Rx) en casa 8, está en conjunción al Nodo Norte (28º Aries 29’ Rx), y en trígono a su dispositor Marte (28º Leo 04’) en casa 12. Se cree que Schoenberg dio un giro de 180 grados a su música, cuando encontro a su primera esposa en la cama con un pintor de sólo 22 años, llamado Richard Gersti. La casa 8 representa las heridas que permanecen en el inconsciente porque no han sido procesadas.

Neptuno (0º Tauro 24’ Rx) en casa 8, dispuesto por Venus en Escorpio, completa el cuadro. El cambio radical en su creación musical lo causó la pérdida de su estabilidad matrimonial, el golpe a su autoestima, el dolor y la inseguridad de no ser un amante lo suficientemente diestro como para mantener viva la fidelidad en su esposa. De ser esto cierto, éste sería el fundamento de la música actual, tan libre y exenta de musicalidad.[xix]

Plutón (22º Tauro 37’ Rx) en casa 9, representa su exilio forzado – de vida o muerte – a los Estados Unidos de Norteamérica; en trígono al Ascendente, Sol y Mercurio, Plutón guió sus pasos para que después de la muerte (figurativa) de su país de origen, renaciera en un país distinto.

Urano (13º Leo 16’), en casa 11: Schoenberg se presenta ante el mundo, investido de su autoridad de Leo, con una forma novedosa y rebelde de componer música. Es pionero de la música actual; se atreve a desafiar la seguridad física que necesita su Ascendente en tierra, tomando un camino desconocido – de inestabilidad profesional y personal – durante el resto de su vida.

Parte de Fortuna (21º Leo 06’) en conjunción a Marte en Leo en casa 12. Así fue el éxito de este genial autor: ‘una lucha constante para difundir sus composiciones de vanguardia, en un mundo poco preparado para aceptarlas’.[xx]

El hemisferio izquierdo de la carta tiene mayor énfasis que el derecho. Esto indica a una persona que toma las riendas de su vida en sus manos, tomando sus propias decisiones, haciendo y deshaciendo a su antojo.

Otras reflexiones astrológicas:

Las posiciones de los planetas exteriores, su relación entre ellos y con los demás planetas, son la prueba de que pertenecemos a una totalidad. La política, la religión, la educación, la ciencia, la economía, la sociedad y la cultura influencian al arte y viceversa. Marx fue un socialista en la política; Schoenberg en la música. Karl Marx junto con Friedrich Engels publicaron el Manifiesto Comunista en 1848; Schoenberg publicó el Método de Composición con Doce Sonidos en 1923, a 75 años de distancia (podríamos pensar en un retorno y medio de Quirón). Ambas posturas comparten ideales de igualdad

manifiesto comunista karl maex

Karl Marx nació el 5 de Mayo de 1818, a las 2:00 am en Trier, Alemania[xxi], cincuenta y seis años antes que Schoenberg, pero ejerció una influencia definitiva en él. Marx pretendía romper con la dictadura del capitalismo y la burguesía; Schoenberg pretendía romper con las ataduras en la música que impedían la libertad creativa, superando las limitaciones de la atonalidad.

KARL MARX

Marx nace en época de grandes cambios sociales, culturales, políticos, científicos, económicos e industriales.

  • Es contemporáneo de escritores de la talla de Hegel, Browning, Dickens y Whitman, entre otros.
  • La Revolución Industrial da comienzo en Europa a finales del Siglo XVIII, concluyendo a mediados del Siglo XIX, cambiando para siempre la vida del trabajador.
  • Se pone en uso el primer ferrocarril de vapor de pasajeros.
  • Gran Bretaña se adueña de la India.
  • En Rusia se vive el reinado del zar Nicolás I y las atrocidades de la policía secreta; las hambrunas provocadas por la guerra de Crimea y la derrota en Sebastopol por los aliados (Francia e Inglaterra). De ahí en adelante, empieza a desmoronarse el gobierno autócrata de los zares.
  • Se forman los primeros sindicatos, a pesar de las represiones, la violencia y la injusticia de las clases opresoras.
  • El término “socialista” se usa por primera vez en Francia, refiriéndose a la lucha de clases, reformas sociales y revoluciones.
  • Se independizan colonias en América.
  • Hay movimientos revolucionarios en Francia, Alemania, Polonia e Italia, entre otros.
  • Bélgica se independiza.
  • Irlanda se rebela contra Inglaterra.
  • La ciencia da grandes pasos.
  • Rusia se apropia de Armenia en su afán por controlar la Iglesia Cristiana Ortodoxa en el Imperio Turco y expandirse hacia el mar Mediterráneo.
  • El Imperio Otomán empieza a desmoronarse.

Para Schoenberg, las formas en la música – las estructuras, la ópera y los ballets – eran comparables a la intelectualidad que florecía en Rusia desde finales del siglo XIX. Una corte europeizada con una masa analfabeta en su mayoría, como dos naciones opuestas dentro de un mismo territorio.

En la vida real, Marx y Schoenberg compartieron el hecho de ser alemanes de origen judío, creativos, pensadores, filósofos, con ideas fijas e inamovibles y trabajadores incansables.

A Marx le preocupaba el sufrimiento ajeno, las injusticias sociales, la explotación de la clase obrera y sus oportunidades casi nulas de defenderse. Para Schoenberg, la disonancia no encontraba una resolución ni un lugar en la música; las notas que no tenían consonancia con una tonalidad, eran ignoradas y satanizadas dentro de la obra.

Haciendo una sinastría entre Marx y Schoenberg, encontramos la explicación del por qué la influencia del uno en el otro. A continuación enumero los aspectos positivos que encontré comparando sus cartas: Menciono los planetas de Schoenberg en aspecto a los de Marx:

Sin título 2

Sin título

  • El Sol en trígono al Sol y sextil al Marte
  • La Luna en sextil a Urano y trígono al Ascendente
  • Mercurio en trígono a Venus
  • Marte en trígono a Neptuno
  • Júpiter y Saturno en trígono a Mercurio
  • Urano en trígono a Urano
  • Neptuno en trígono a Neptuno
  • Plutón en conjunción al Sol y Venus y en sextil a Marte
  • Quirón en trígono a Urano y Neptuno
  • Ascendente en trígono a la Luna, el Sol y Júpiter
  • El IC en conjunción al MC
  • En la casa 9 están el Nodo Norte, Luna, Sol, Venus y Mercurio
  • La cúspide de casa 6 tiene al Ascendente en conjunción a la Parte de Fortuna

No es común encontrar una sinastría con tantos aspectos armoniosos. Me atrevería a pensar que Schoenberg, quien nació 9 años antes de la muerte de Marx, continuó con su obra en otras disciplinas.

MÚSICA MODERNISTA

Entre 1910 y 1915, a la par del Expresionismo, da comienzo una tendencia modernista en la música. Precedida por el Romanticismo y Posromanticismo, la Música Modernista tiene como prioridad romper con la tradicion e innovar sin límites. El término “Música Modernista” en este caso, se refiere a la música escrita por músicos entrenados cuya inspiración los lleva a dejar testimonio de sus creaciones.

MUSICA MODERNISTA INSTRUMENTOS

La Música Modernista carece de un centro tonal. A partir de la “Bagatella sin Tonalidad” que Franz Liszt compuso en 1885, se produjo una crisis de tonalidad, que generó el uso cada vez más frecuente de acordes ambiguos y de inflexiones armónicas, melódicas y rítmicas inusuales dentro de la música tonal. Se produjo un relajamiento de los enlaces a través de los cuales los tonos y armonías se relacionaban entre sí; en consecuencia, las posibilidades del sistema tonal se consideraron insuficientes, pues la uniformidad entre tonos no era suficiente como guía para la composición.

Un exponente importante de este movimiento es Alexander Scriabin, quien creó un particular estilo de atonalidad. Influenciado por la “sinestesia”[xxii], Scriabin asociaba colores con los tonos armónicos de su escala atonal; sus círculos de quintas (en vez del conocido acorde de terceras) también fue influenciado por la teosofía[xxiii], en su búsqueda del ‘misterio final’ a través de la música.

ALEXANDER SCRIABIN

Scriabin está considerado por algunos como el principal compositor ruso místico/simbolista. Uno de los más innovadores y controversiales compositores modernos de la primera etapa.

Leon Tolstoi describió su música como “la sincera expresión de un genio”

Scriabin (conocido como Sasha) fue un compositor muy reconocido en vida, pero rápidamente olvidado después de su muerte. Contradicción sin lógica, pues Scriabin fue decisivo en los cambios que experimentó la música a partir del Siglo XX. Nació el 6 de enero de 1872 a las 2:07 pm en Moscú, Rusia, en el seno de una familia aristócrata. Su madre, concertista de piano, murió de tuberculosis cuando Sasha tenía solo un año de edad.

Su padre dejó a Sasha con su familia y viajó a Turquía, donde se casó nuevamente y tuvo una numerosa descendencia. Regresó a Moscú y Sasha, solitario por naturaleza, se vio obligado a relacionarse con sus medios hermanos. Era tímido e insociable; sentía una gran fascinación por el mecanismo del piano; trató de formar una orquesta con niños de la localidad, pero no resultó, entonces optó por representar sus obras y óperas amateur con marionetas.

Se formó como pianista desde temprana edad. En 1882, se enlistó en el Cuerpo de Cadetes de Moscú. Era muy delgado y de poca estatura, por lo que sus compañeros se burlaban de él, hasta que se sentaba al piano y los dejaba boquiabiertos. Académicamente era el primero, pero lo eximían constantemente de los entrenamientos extenuantes por su constitución débil. Todo ese tiempo libre lo dedicaba al piano.

Finalmente ingresó en el Conservatorio de Moscú; sus manos eran tan pequeñas, que se lastimaba tratando de tocar obras que requerían mayor extensión. Como pianista terminó la carrera de manera brillante; como compositor no, porque se saltaba todas las reglas – las formas que le exigían no le interesaban.

Hizo su debut en 1894, interpretando obras suyas con buena aceptación; su música se publicó. En Agosto de 1897 se casó con la joven pianista Vera Ivanovna Isakovich y se fueron de gira por Rusia y el extranjero, culminando en un concierto muy exitoso en Paris en 1898. Tuvieron cuatro hijos.

Se convirtió en maestro del Conservatorio de Moscú, donde afianzó su reputación como compositor. Se fue a vivir a Suiza a finales de 1904, donde compuso obras importantes que fueron académicamente aceptadas y valoradas – un ciclo de estudios, tres sonatas y su único concierto para piano y orquesta.

Ese mismo año, se separó de su esposa y se involucró sentimentalmente con una antigua estudiante, Tatiana Fuodorovna Schloezer, con quien tuvo tres hijos más; su favorito, llamado Julián, era un prometedor compositor y pianista, pero a los 11 años se ahogó, provocando en Scriabin un gran sufrimiento.

Posteriormente, Scriabin consiguió un patrocinio que le permitió viajar a Suiza, Italia, Francia, Bélgica y los EUA, creando obras orquestales, sinfonías y poemas para el piano, una forma con la que se le identificó de forma especial.

Vivió dos años en Paris, regresando a Rusia en 1909, donde decidió hacer proyectos cada vez más ambiciosos; entre ellos, tenía planes de hacer un trabajo multimedia[xxiv] que fuera interpretado en los Himalaya, provocando un Armagedón[xxv] que sintetizara las artes y anunciara el nacimiento de un nuevo mundo.

Solo terminó la primera parte llamada “Misterio”, pues falleció antes de concluir lo que pensaba que sería su obra maestra – una sinfonía-danza-poema con luces y fragancias – que creía fervientemente que culminaría en la iluminación de su audiencia. Después de su muerte, Alexander Nemlin completó la segunda parte, llamada “Humanidad”, y la tercera parte, llamada “Transfiguracion”. Vladimir Ashkenazy – pianista y director ruso de fama internacional – gran admirador de Scriabin, grabó la obra completa con la Orquesta Sinfónica de Berlín para la compañía discográfica Decca[xxvi]. Su idea era que la música debía transformar a la gente, elevar su consciencia y producir la iluminación.

Scriabin fue un extraordinario músico a pesar de su constitución frágil y su salud precaria. A la edad de 43 años murió en Moscú de septicemia, resultado de una herida, que parecía insignificante en un principio, en su labio superior.

alexander scriabin

Sol, Saturno y Mercurio en Capricornio indican una gran necesidad de control, fuerza de voluntad y sentido de responsabilidad con los demás.

Marte en Acuario en el MC le da a su imagen un toque de sabiduría, misterio y desapego.

Neptuno conjunción Parte de Fortuna en Aries en casa 11 – fue pionero de la Música Modernista, sin temor a incursionar en formas atrevidas y diferentes a lo tradicional.

Quirón en Aries en casa 11, cuadratura Mercurio en Capricornio en casa 7, le dió la capacidad de sanar los rechazos y las burlas a su debilidad corporal, a través de sus capacidades mentales y creativas.

Jupiter y Urano en Virgo en casas 2 y 3 en trígono a Venus en Sagitario en casa 6: la influencia de sus valores familiares de infancia en su trabajo.

Luna en Escorpio en casa 6 en cuadratura a Marte en Acuario en el MC: la pasión, obsesión y compromiso que puso en su trabajo de vanguardia.

Plutón en Tauro en casa 12, en trígono a Sol/Saturno en Capricornio en casa 8: asuntos del inconsciente. Asignaturas familiares pendientes, en especial con su padre. Energías que lo movían, sin que supiera de dónde venían.

Venus en Sagitario en casa 6; su dispositor, Júpiter en Cáncer, en casa 2. Su trabajo bajo el auspicio de los dos benéficos: Venus en Sagitario – sueños y metas de altos vuelos en busca de trascendencia; y Júpiter en Cáncer, dignificado en casa 2 – produciendo ingresos y elevando su autoestima.

MÚSICA CONTEMPORÁNEA

JAZZ Y BLUES MODERNISMOLOS BEATLES

La división entre la Música Modernista y la Música Contemporánea no ha sido definida con precisión. Muchos expertos llaman Música Modernista a la música que se crea a partir del final de la Segunda Guerra Mundial en 1945; y llaman Música Contemporánea a la que se crea desde mediados de los años 1970s; sin embargo, en ocasiones se suele incluir de forma más amplia en ambos casos, a todas las formas de la música postonal creada después de la muerte de Anton Webern, acaecida el 15 de septiembre de 1945.

 

Aún no ha sido definido si el término “Música Contemporánea” se debería aplicar exclusivamente a la música de vanguardia. Autores de la talla de Gustav Holst (inglés) y Nadia Boulanger (francesa), nacidos a finales del siglo XIX, han formado grandes compositores, que a su vez, han formado otros. En la actualidad existe un amplio número de compositores e intérpretes, que de acuerdo a las ideas y formas del modernismo, buscan crear obras lo suficientemente valiosas para ser incluidas en los repertorios actuales.

La atonalidad ya no aterroriza a los auditorios, y la música que escuchamos en salas de concierto, en grabaciones digitales, en los musicales del teatro y de la pantalla grande, en la televisión y en la radio, está claramente enraizada en el lenguaje de la Música Modernista.

“A partir de la segunda década del siglo XX, la forma y lugar que había ocupado la música durante los pasados tres siglos en la sociedad, cambiaron para siempre con la irrupción del modernismo musical, entrando en una nueva era de constante búsqueda de lo original, rompiendo permanentemente con la tradición en la música. Esto generó una enorme diversidad de géneros y movimientos de difícil categorización y definición, lo que hacia el último cuarto del siglo, dio paso a la Música Contemporánea, siendo cada vez más compleja a diferenciación de otras músicas como el jazz o el art rock, debido a la creciente globalización y masificación de los medios de comunicación de la cultura popular.”[xxvii]

Existen innumerables estilos; muchos de los cuales, con toda seguridad, no pasarán a la posteridad; por lo que sería absurdo e inútil analizarlos todos. Es por ese motivo, que la columna “La Música de las Esferas” termina aquí, únicamente nombrando algunos de ellos:

  • El Posmodernismo
  • El Poliestilismo
  • El Conceptualismo
  • El Postminimalismo
  • La Música Electrónica
  • El Neorromanticismo
  • El Espectralismo
  • El Neotonalismo
  • La Nueva Simplicidad
  • La Libre Improvisación
  • La Nueva Complejidad
  • El Arte Sonoro

“La Música Modernista está basada en los valores filosóficos/estéticos del modernismo, los cuales tienen como principio principal la ruptura con la tradición y la permanente innovación. Estrechamente ligada al vanguardismo y a diferencia de los períodos anteriores, prácticamente todos los compositores de este período han participado en varios movimientos musicales diferentes, simultáneamente o por etapas.[xxviii]

“Vivimos en un tiempo en el que creo que en la música no hay una corriente principal, sino muchas corrientes, o incluso, si se quiere pensar en un río de tiempo, hemos llegado a un delta, puede que incluso más allá de un delta, a un océano que se extiende hasta el cielo”.

           John Cage 1992.

 BIBLIOGRAFÍA:

[i] definicion.de

[ii] Camille Saint-Saëns fue un compositor francés, director de orquesta, organista y militar, escritor, caricaturista y gran viajero. Desempeñó un papel excepcional en la renovación de la música francesa. Un eslabón importante en la renovación que condujo al Impresionismo.

[iii] músicaenmexico.com.mx

[iv] es.wikipedia.org

[v] junto con Balakirev y Cui fueron conocidos como “Los Cinco”, grupo formado por los mejores compositores rusos de la época

[vi] compositor ruso nacido en Moscú en 1872, cuya música creo el apocalipsis ruso de agonías y éxtasis.

[vii] https://bustena.wordpress.com/historia-de-la-musica-online

[viii] Ruth Ruggles Akers, crítico musical. Revista Vive la France, 2010.

[ix] Un festival anual dedicado a las obras de Wagner

[x] www.significados.com

[xi] su nombre procede del francés fauve – fiera – cuya característica principal es el uso provocativo del color.

[xii] Estilo de pintura compuesta por pequeños cubos, que rompe definitivamente con lo tradicional.

[xiii] Carta-natal.es/astrodata

[xiv] www.biography.com

[xv] La etnomusicología es el estudio de la música en su contexto cultural.

[xvi] Carta-natal.es/astrodata

[xvii] Los instrumentos de percusión golpean la cuerda para obtener el sonido

[xviii]Francisco-lamusica moderna.blogspot.mx

[xix] cualidad de música agradable o armoniosa, que acompaña las voces con inflexiones de exquisita delicadeza

[xx] www.biografíasyvidas.com

[xxi] carta-natal.es/astrodata

[xxii] el fenómeno de la asimilación conjunta de dos o más sentidos: por ejemplo, cuando los números se perciben en colores y cada serie de números forma un cuadro en la mente (Stieg Larssen).

[xxiii] Conjunto de doctrinas religiosas que defienden que el conocimiento de Dios se puede alcanzar sin necesidad de la revelación divina; presentan un aspecto místico y creen en la transmigración de las almas. Traducciones, orígenes de palabra y más definiciones.com

 

 

[xxiv] que está destinado a la difusión por varios medios de comunicación combinados, como texto, fotografías, imágenes de video o sonido.

[xxv] Término bíblico que significa el lugar donde acontecerá la batalla entre las fuerzas del bien y del mal.

[xxvi] En.m.wikipedia.org

 

[xxvii] Es.m.wikipedia.org

[xxviii] es.m.wikipedia.org